2月3日

THE IDOLM@STER CINDERELLA GIRLS UNIT LIVE TOUR ConnecTrip! 山形公演（やまぎん県民ホール）を見た。デレマスのライブは昔ライブビューイングで見たきりで、現地参加ははじめて。近くの駐車場に乗り付けてやまぎんホールに向かうと、アイドルのハッピ着てタオル持ったおたくが広場に押し寄せていて迫力があった。おれはグッズ関係なにひとつ持ってなくて、逆にちょっと恥ずかしかった。気合の入ったおたくにたいする引け目、ありますよね。

開演前BGMには、山形出身アイドル辻野あかりのソロ曲が流れて会場ぶち上がり。いい曲だね。

うちはりんご農家でもあるので山形りんごがフィーチャーされるのはうれしいが、山形といったらむしろさくらんぼやラ・フランスではないかという思いもなくはない。

3階席最後列という席ガチャハズレな感じの場所だったけど、そもそもホールがそんなに広くないのでぜんぜん気にならなかった（オペラグラスはやっぱり欲しかったが……）。というかこんな場所でデレマスのライブ見れるのやべ～って感じで、なんとも贅沢な時間であった。80分とか90分だったかな。タイトだけど濃密なセットリスト。

まあいろいろ楽しかったのだが（MCとか）なによりイノタク曲を存分に楽しめたのがよかった。かねてから生涯ベスト、世界で一番いい曲と公言してきた「クレイジークレイジー」を生で聴けたし、「Radio Happy」も見れたし、「Hotel Moonside」も見れた。思い残すこと、なし。生で動くあやっぺを見れたのもよかった。

ただ、やっぱりペンライトを振って盛り上がるというのがなかなかよくわからない。後半になってようやく掴んできたけれど。あと4つ打ちで手拍子起こるのはいいけどみんな走りすぎてて「ちゃんと音を聞いて！」と思った。でも手拍子って意外とむずかしいよね。おれも上手にできる気がしない。

2月4日

山形駅西口のレコ屋RAF-RECに食品まつりさんとTaigen Kawabeさんが来るというので見に行った。食品さんの『Yasuragi Land』には日本盤ライナーを書いていて、インタビューもリモートでしていたのだが、対面ははじめて。『Yasuragi Land』にも参加していたTaigenさんとあわせて、きちんと挨拶できてよかった。食品さんはラップトップとSP-404 Mk2とRoland E-4でパーカッシヴだけどビートレスなトラックとヴォーカルというか声のパフォーマンスを組み合わせたライヴで凄まじかった。なんかもう、「熱唱」というかんじで。SP-404に仕込んであるネタはゲーム機のサウンドロゴばかりでそれもとんでもなかった。Taigenさんのパフォーマンスはラップトップからトラックを流し、足元のエフェクターを操りつつヴォーカルを披露するスタイル。セットアップはめちゃくちゃミニマルなのにオーラとパフォーマンスでスペクタクルにしててすごかった。そのままフリーなセッションに突入して謎の狂騒を経て幕を閉じた……。

2月7日

東北芸術工科大学の卒展がはじまったので見に行った。印象に残った人をいくつか。

美術科洋画コースの木村晃子さん（note）、道端に投棄されるし尿入りのペットボトルを題材にしたモキュメンタリーとインスタレーション（《Golden PET Bottle》）、露悪といえば露悪なんだけどアウトプットがスマートで、でも適度に俗っぽい（モキュメンタリーというアプローチ自体が持つ俗っぽさ）。ただテレビとかYouTubeみたいなメディア／プラットフォームではキャッチしきれなさそうなつかみどころのなさもある。

大学院複合芸術研究領域の横田勇吾さん（ポートフォリオサイト）、たしか学部の卒制で作品を見ていて印象に残っていたのだが、そのときよりもテーマが地に足ついていたと思う（うろ覚えだけれど）。ストリートダンスの経験に基づきつつ、ダンスの身体性に加えて、身体の外部（空間、時間、リズム）とどう関わっていくかを突き詰めた結果、ある種のコンテンポラリーダンスみたいな問題意識（日常の動作とその身体性、サイトスペシフィシティ）とパフォーマンスになっているのが面白かった。ストリートからのコンセプチュアリズムってめちゃかっこよくないすか。

大学院芸術文化専攻絵画領域の小林由さん（Instagram）。この人もストリートダンス経験をもとに制作しているのだそうだけれどがっつりペインティング。ダンスの経験はモチーフのレベルでも明確だけれど、方法のレベルにも入り込んでいる。描いた絵を裁断してミシンで再構築して、フレームに不定形なままはりつける。コラージュ的な造形もヒップホップっぽいけど、このフレームからはみ出したりフレーム自体がいびつだったりするところも、あの種の音楽が持つ歪みや断絶（トリシャ・ローズ的な）の具現化っぽくて面白い。帰ってから、小林さんも卒展で見てたのに気づいた。でも卒展のときよりも方法面でも造形でもキャッチーで強いと思う（モチーフの選択が若干ベタすぎる気もしないでもないけど好みの問題ではある）。

美術科洋画コースの塩原唯菜さん（ポートフォリオサイト）。描いているモチーフ自体はキャラクターっぽいというかイラスト的なアプローチなんだけど、線に物質性をもたせる方向で構成された画面がすごくよくて、正方形のフォーマットもばちっとハマっている。素朴にもっといっぱい見たい。

ここ数年で見たなかでも面白かったような気がする。コロナ禍で制限が厳しかった時期に制作・発表せざるをえなかった頃を越えて、学生生活がはじまる頃にコロナ禍が本格化して、その環境を前提に制作するようになったからだろうか……とか思った。

ちなみに芸工大ついて車停めてひといき着いてたら目の前を卒展見学にきていたとおぼしき学部生時代の恩師が通りがかり、「えっマジで？」と思いつつ急いで車を降りて勇気を振り絞り声をかけたところ、結構ちゃんと覚えられていた。14,5年ぶりなんじゃないかな。

コメントする

安室奈美恵や三浦大知のプロデュースワークでも数多くの人気曲を生み出し、自らヴォーカルをとるソロアーティストとしても知られるNao’ymt。そんな彼はここ数年、2014年リリースのソロ作『矢的直明2014』収録曲をリメイクする「Reinterpretation」シリーズや、ヴォーカリストとのコラボレーションを始めとして、旺盛にソロ活動を展開してきた。

Nao’ymtのサウンドを特徴づけるのは、ダンスミュージックの高揚感や、ヴォーカルミュージックとしてのR&Bのスウィートさを芯に持ちながら、さまざまな質感を湛えたシンセやポスト・クラシカル的な音使いでアンビエントに接近する折衷性だ。プロデュースワークでももちろんその片鱗を感じることができるが、もっともそのユニークさが直にあらわれているのは、やはりソロだろう。今回のインタビューでは、具体的な制作プロセスから音楽的な影響源、そして名作・三浦大知『球体』への思いまでを伺うことができた。ストイックさと音楽への愛が同居したような語り口のニュアンスが、テキストでは抜け落ちてしまうのが残念だが、少しでもそれを感じてもらえればと思う。

「感謝の気持ち」としてのReinterpretationシリーズ

2020年、新型コロナ禍が始まって、音楽業界にも様々な変化があったタイミングで、ソロでのリリースが活発になりましたね。『矢的直明2014』（以下『2014』）の収録曲をリメイクする「Reinterpretation」シリーズを始めとして、このタイミングでソロ活動に力を入れるようになったのはなぜでしょう。

前々から、『2014』や三浦大知くんとの『球体』で追求した「アンビエント＋ダンスミュージック」を自分のソロでもう一度やってみようかなと思っていました。自分の中で大事にしている音楽性がずっと続いていることを伝えたかったんです。そこに奇しくも新型コロナ禍が起こって、自分の制作に集中する時間が確保できたことはきっかけのひとつでした。『2014』を買って聴いてくれた方への感謝の気持ちも大きいです。聴いてくださった方には、元を知っているからこその楽しみ方をしてもらいたいなと。

初めはもっと気軽に、ちょっと手を加えて歌い直すくらいのつもりだったんですが、元のプロジェクトファイルを自分で見てもわからないことが多くて。それに、自分のプロジェクトではプラグインをあまり使わず、実機のシンセサイザーを弾いていることが多いので、まったく同じ音は2度と出ない。がらっと作り変えようとも思ったんですが、連続性の部分がわかりづらくなってしまうので、元の楽曲に合わせて、改めて音を作っていきました。

「Reinterpretation」のヴォーカルはどれも再録ですよね。原曲と比べると、メインのボーカルラインに加えて新しくハモりが加わっていたりします。

『2014』は普通の部屋でヴォーカルを録っていたので、反響の面でもあまり声を出せなくて。「Reinterpretation」では半分くらいスタジオを借りて録音したので、より歌にスポットを当てることができました。簡単なものとか、大きい声を出さなくていいものは、家で録ったりもしました。

ソロワークならではの実験が作りだす理想のサウンド

具体的に楽曲についてもお聞きしたいと思います。個人的に気に入っている曲のひとつが、「Irreplaceable (reinterpreted)」です。元曲も好きだったんですが、特に空間の作り方がすごく鮮やかになったように感じました。

いつも曲を作るときにはまず映像が見えるんです。「Irreplaceable」のときは、車で走っているときに目黒通りで古くて小さな教会を見つけたんです。そのとき、教会の中に人が座っていて、膝の上にかけたブランケットの上に葉っぱが一枚落ちてくる……そういう絵がパッと浮かんで。その時にこの曲が浮かんだんです。異世界感のある、ノスタルジアの感じられる曲。それを再現するために、基本的に素材はテープに1回録って、そのテープに録った音をまた戻して使っています。Sequential Prophet 12やRoland JUNO-106の音をテープに録って、それを戻す、っていう。昔eBayで買った、Uherという古いオープンリールのテープレコーダーを使いました。

そういったガジェットは普段からよく探していらっしゃるんですか。

はい。でも、7割失敗しますね（笑）。でも3割は当たりというか。ほんとに1曲の中のワンフレーズだけかもしれないですけど、「これがあったからこの音が作れた」という喜びがあるんです。仕事のときは修正がなるべくしやすいように配慮するんですが、自分のときは、そういう好き勝手な実験ができる楽しさがありますね。

ハードウェア以外にも、プラグインで重用しているものはありますか。

U-heのシンセがすごい好きで、ZebraやReproをよく使っています。特にZebraはパッドがすごくいい。有名なシンセですが、Spectrasonics Omnisphereもよく使います。ミックスで絶対使うのはFabFilterのProQシリーズとWavesのRenaissance Compressor。Wavesのプラグインは、老舗の安定感があるのでなんだかんだでよく使います。また、アンビエント曲では、AudioThingのWiresやWavesfactoryのCassetteなどを味付けで使用することもあります。DAWはAbleton Liveをメインで使っていて、歌とミックスはAvid Pro Toolsで行っています。

ご自身でミックスも手掛けられていますが、自分でやることにやはりこだわりがあるのでしょうか。

あんまりないですね。頼みたいんですけど、それはそれで大変なので。ちょっと特殊な音の使い方だったりすると、「どう説明すればいいんだろう」みたいな……。だったら、自分でやった方が力作になるかなと思って、日々すごく頑張って勉強してます。正直、作るのはすごく好きですけど、ミックスはそうでもないんです。作るのとは頭の使う場所が違うんですよね。

固定観念に囚われず、自分の表現を「解放」する

「Reinterpretation」以外の楽曲についても伺えれば。個人的に、2020年のシングル「落葉」がとても好きな一曲です。ビートレスで、パッドとピアノが中心になった前半に、提供楽曲ではあまり聞かれないNao’ymtさんの作家性を強く感じます。

実は、この曲が一番最初に思い浮かんだときは、アカペラだったんです。だから、全部アカペラで行きたいなと思っていたんですけど……。

ソロ活動でいま目指しているのが「解放」で。やっぱり仕事で音楽を作っている影響で、自分の気持ちを解放するのが難しくなっちゃう。「キャッチーにしなきゃ」「もっと分かりやすくしなきゃ」みたいな意識が働いちゃうんですよ。例えば、自分は着物がすごく好きなんですね。でも、着物を着て、今から渋谷行ってくださいって言われたら、ちょっと恥ずかしい。曲作りでも同じようなことがあって、「アカペラはちょっと……」みたいに思っちゃう。だからパッドを入れちゃったんですけど。

かなり「Nao’ymtらしさ」が出ていると思っていたので、まだ突き詰めたい部分があるんだと聞いてちょっと驚きました。

そういう、攻めたいのに攻めきれない自分の不甲斐なさは常にあります。今のうちに言っておきますけど、もっと行けるんで！（笑） この先、もっと解放していくので。

後半でゴリッとしたビートが入ってきますが、こういった展開のひねりは作っているうちに湧いてくるんでしょうか。

もう、展開まで最初のインスピレーションでできています。あとはそれに耳を傾けて、手繰り寄せて、音にしていく。大体80パーセントは見えてますね。残り20パーセントは、作りながらもっといいのが出てきちゃうことがある。自分の曲で展開が飛んだりするのは、まさに映像から来ているのが理由なんです。映像が変わったら、かかっている音楽も変わるという感じ。音楽はループが前提で、1番・サビ・2番・サビ・大サビ、みたいになっているものですけど、映像は起承転結で進んでいきますよね。作り方が映像寄りなんです。いまは、「サビを一曲のなかで繰り返す必要があるんだろうか？」と思い始めています。

この曲のように、リズムを強調するよりはパッドの音色などを聴かせるようなアンビエント的なサウンドについて、インスピレーションになっているミュージシャンの方はいらっしゃいますか。

いろんな方から受けた影響の上に自分の音楽があるのは確かですけど、例えば「この曲はここからの影響」っていうのはあんまりないんです。今まで培ってきたものがじわじわ出てきて、自分の音楽と触れ合っている。ただ、Sigur RósとかBjörkが大好きで、アンビエント系の曲にはその影響が表れているかもしれないです。他にも、同じアイスランドのJóhann Jóhannssonとか。どんな影響を受けているか、あまり深く分析したことはないんですけど。

Nao’ymtさんといえばもちろんR&Bが大きな影響源にありますが、それ以外からの影響も大きそうだなと思います。

初めはUSのポップスから始まって、ロックを経て、R&Bを聴きだして……。作っていたのがR&Bだったこともあって、ほぼR&Bだけを聴いている時期が一番長かったですね。それが、自分の感じている気持ちをR&Bじゃ表せないと感じ始めて、色んな音楽をもっと深く聞くようになりました。そこでSigur RósやJóhann Jóhannssonにビビッときて、自分の中で融合させ始めたんです。

プロデューサーの視点から振り返る、安室奈美恵と三浦大知

ご自身も素晴らしいヴォーカリストですが、自分でヴォーカルをとれるということが、制作の上で強みになっていると感じることはありますか？

ありますね。提供する曲でも、仮歌を結構きっちり、このまま完成してもいいくらいまで作るんです。「聴いた通りに歌ってください」と言えば、いちいち言葉で説明する必要がない。それがすごく助かります。たとえば、自分の歌詞は韻をすごく大事にしているので、あえて言葉を変なところで切ったりするんです。普通に歌っても成立してしまうのだけれど、仮歌を聴いてもらえば、そこが切れてる、ブレスしてる、というのをわかってもらえる。自分みたいに作って歌っている人が提供する時は、多分皆さんそうだと思います。結局、自分で「こういう曲にしたい」と思って作って歌っているわけなので、仮歌と最終的な歌が全然違うってパターンはあまりないと思います。

とはいえ、実際に歌入れしてもらったときのマジックもありますよね。

素晴らしいシンガーの皆さんとお仕事しているので、いつもマジックです。特にその人の声が初めて乗った瞬間、一声目で「うわっ」てなったのは安室奈美恵さんでしたね。同じ言葉で同じメロディーなのに、伝わるメッセージの質が違う。

他にも、R&B的な観点で言うと、リフズ・アンド・ランズ（いわゆるフェイク）という、あえて崩す歌い方がすごいのは、やっぱり三浦大知くん。仮歌でもフェイクの部分は全部崩して歌って、ガイドを作ってあるんです。大知くんはそれを聞いた上で、最終的には結構変えてくる。大知くんならではのフレーズになるんですよ。R&Bのシンガーって、その人のフレーズがあるものなんです。タンクだったらタンクの、マライア・キャリーだったらマライア・キャリーのフレーズ、みたいに。それを持っているというのは、R&B好きとしてはすごく嬉しいんですね。

ちょうど三浦さんの名前も出たので、三浦さんとお二人で制作した『球体』についても伺いたいと思います。Nao’ymtさんも自ら代表作として挙げられている作品で、個人的にも大好きな作品です。2018年夏のリリースから4年ほど経った今から振り返って、改めて『球体』にどんな思い入れがありますか。

3年以上かけてひとつの作品に向き合うことができたのが一番大きいです。しかも、それがすごく楽しい時間で。PCMレコーダーを持っていろんなところに旅したり、海に行ったり山に登ったりして、いろんな音を集めて、それを元に曲を作って。自分の中では、売れる・売れない、評価される・されないとかいう次元じゃなくて、世に残せたということ自体に意味がある作品です。

もう毎日楽しかったですよ。何をやっていても楽しかった（笑）。晩ごはんを食べていても、「あの主人公はあの後どこ行くかな」とか、「あのシーンでどうやってなんて言うかな」とか、もうそんなことばかりずっと考えてました。『球体』で描かれるストーリーの中に鉄橋が出てくるんですけど、自分の理想に近い鉄橋がどこかにあるんじゃないかと実際に探しに行ったり。わざわざ新幹線に乗って、ぴったりの鉄橋を見つけたら、その下に行ってレコーダーを回して、電車ががたんがたんと通りかかる音を録音して。「おかえり」という曲には、そうやって3年間かけて録った音がSEとしてたくさん入っているんです。春の音、夏の音、秋の音、冬の音を集大成としてあそこに込めていて。そんな作品、なかなか作れない。

しかも、それを稀代のエンターテイナーである三浦大知くんがこれ以上ない形で表現してくれた。独演のステージを観たときに、すごく腑に落ちたんです。音楽が好きで、3歳からピアノを始めて、いろいろな経験を経て、ここにたどり着いた。ひとつの着地点みたいなものを感じましたね。

実は、制作しているとき、「この作品は人々に受け入れてもらえるだろうか」と大知くんにぼやいたことがあって。大知くんは「それは自分がエンターテインメントにします」って言ったんですよ。「エンターテインメントにできるんで、大丈夫です」って。めっちゃかっこいい！　と思って（笑）。深夜のコンビニでの話です。それで自信を持って、弱気にならずに行けたんです。

「名刺」がわりのソロで未来を作る

現在、シングルをハイペースでリリースされていますが、また『2014』や『球体』のように、アルバムを制作する予定はありますか？

そこはいますごく悩んでいますね。まとめたいんですけど、繋がりがない曲を集めたアルバムになっちゃうのは嫌なんです。今の時代だからこそ、アルバムとしての意味が大事だなと思っていて。もし、アルバムを出すとしても、今までのリリースとは切り離したものになるかもしれません。

リスナーとしては、「次にアルバムが出るとしたらどうなるんだろう」と期待してしまいます。Nao’ymtさんご自身としては、そうしたアルバムに対するプレッシャーはありますか。

あまりありません。ソロだから、成功しようが失敗しようが自分の他に誰も傷つかない。そこは楽ですよね。 むしろ、どなたかに提供した作品となると、責任があるなとは思います。

2022年現在、作家的に楽曲を提供する仕事と、ソロとしてのリリースの両輪で活動されていますよね。意識的にそのバランスをとることはしますか？

いや、それはもう全然。単に、音楽作るのがほんとに大好きなんで、常に作っていたいんですよ。仕事が来たらそのために作るし、仕事がなかったら自分のために作るしっていうだけです。

今は、ソロ活動がいわば名刺みたいな感じなんです。「こういう感じの曲いいじゃん」って思ってもらって、そういう仕事が来たらいいなと。仕事だから、ソロだから、っていう風にはあんまり考えないようにしてます。最終的には、仕事もソロもひとつになったらいいなと思っています。

取材・文：imdkm

Nao’ymt　プロフィール

東京都千代田区出身。独自の世界観で全てを包括する音楽家。
1998年にR&Bコーラスグループ“JINE”を結成。2004年よりプロデュース業を本格的に始め、三浦大知、安室奈美恵、lecca、AI、他、数多くのアーティストに作品を提供している。
特に三浦大知の多くの楽曲を担当。中でも、2018年7月リリースのアルバム『球体』は、アルバムコンセプト含め全16曲の作詞作曲・プロデュースをした出色の出来である。
また、安室奈美恵に関しては、ヒットシングル「Baby Don’t Cry」「Get Myself Back」など、これまで28曲を担当。小室哲哉以降もっとも多くの曲をプロデュースしている。

https://naoymt.com
https://www.instagram.com/naoymt/

ニューリリース「Japanese Summer Lost」

遠い昔、日本の夏、人々はどのような風景を見ていたのでしょうか。
そんなことを思いながら作りました。（ご本人のTwitterより）

各種プラットフォームでの配信はこちら：
https://orcd.co/japanesesummerlost

コメントする

2月25日（日）に神保町・美学校にて「基礎教養シリーズ〜ゼロから聴きたいテクノロジーと音楽史〜」を開催します。昨年頒布したZINE「音楽とテクノロジーをいかに語るか」をベースに、音楽とテクノロジーの関わりについて考える4時間（！）となっております。

自分からはイントロダクション的なトーク＋テクノロジーにおける「脱植民地化」をテーマにしたトークの2本をお送りするほか、ゲストに東京藝大の松浦知也さんをお招きし、現代の音楽制作に欠かすことができないコンピューター／コンピューティングについてお話していただきます。

松浦さんのお仕事は公式ウェブサイトでうかがい知ることができますが、『クリティカルワード　ポピュラー音楽』に「プログラミング」の項で執筆されているほか、ウェブでも公開されている博論「音楽土木工学を設計する——音楽プログラミング言語mimiumの開発を通じて」がかなり面白いのでおすすめです。

以下に開催概要と自分からの前口上を添えておきます。内容は上掲のウェブページとかわりありませんが……。

「基礎教養シリーズ〜ゼロから聴きたいテクノロジーと音楽史〜」開催概要

講　師：imdkm／ゲスト：松浦知也
日　程：2024年2月25日（日）
時　間：13:00〜17:00　※延長の可能性あり
開　催：対面／オンライン
参加費：対面・・・1,650円(アーカイブ付き、税込み)　※先着25名
　　　　オンライン・・・1,100円(アーカイブ付き、税込み)
　　　　美学校在校生(オンライン)・・・550円(アーカイブ付き、税込み)
　　　　アーカイブのみ・・・1,650円(税込み) ※2/27日より販売開始
会　場：美学校2F教室
　　　　東京都千代田区神田神保町2-20-12 第二冨士ビル 2階
　　　　https://goo.gl/maps/th8HqeciE7dRfDdK8
　　　 ※会場まではビル内の階段を利用してご来場ください
主　催：美学校

参加はPeatixからお申し込みください。

言うまでもなく、音楽とテクノロジーは深い関係を持っています。音楽制作においても、流通においても、受容においても、テクノロジーは音楽という営み全体に浸透しきっています。とりわけ20世紀以降、録音芸術として著しく発展したポップ・ミュージックを考える上で、音楽とテクノロジーの関わりを考えることは非常に重要です。

なにより、テクノロジーは音楽への手段であるのと同じくらい、音楽を聴き、語る手がかりになります。どんな道具をつかって、どのように制作されているか？　どんな技術的状況で、どのように受容されてきたのか？　そんな問いを意識することで、音楽を聴いたり、解釈したり、語ったりする方法がより豊かになるはずです（文化的なコンテクストを知ったり、音楽理論による分析をするのと同じように）。この講座の目論見はまずもってこの点にあります。つまり、「聴き方」「語り方」の拡張です。

しかし、音楽をより深く知るための枠組みとしてテクノロジーを援用する際に、テクノロジーの側が抱える文化的なバイアスを無視することはできません。テクノロジーは音楽の可能性をひらくと同時に、クリエイティヴィティを制限することもままあります。そして、しばしばその可能性と限界は、社会的・政治的な条件とむすびついているのです。とすれば、音楽への理解を深めるのと同じくらい、テクノロジーに対しても理解を深めなければ、「音楽とテクノロジー」をめぐる語りは大きな盲点を抱え込むことになるでしょう。

この講座では、音楽とテクノロジーがどのような関係を築いてきたかを検証しながら、それがいかなる課題に直面しているかの問題提起もしたいと思っています。「音楽とテクノロジー」が主役ではありますが、このふたつを社会的・政治的なコンテクストへと開いていくことが本講座の裏テーマです。

先に「20世紀以降、録音芸術として著しく発展したポップ・ミュージックを考える上で、音楽とテクノロジーの関わりを考えることは非常に重要」だと書きましたが、単にその状況を「よりよく理解する」ために重要なのではなく、むしろ状況に批判的に介入するためにこそ、音楽とテクノロジーの関わりを改めて考えることが重要なのです。

あまりに広いテーマなので、今回の講座では、音楽制作の現場におけるテクノロジーに焦点をしぼりたいと思います。また、現在の音楽制作において欠かすことができないインフラとしてのコンピューティング／ソフトウェア開発に造詣が深い松浦知也さん（東京藝術大学）をゲストにお招きし、議論を深めたいと思います。

音楽制作にフォーカスする性格上、音楽を自分でつくっている人や、つくることに興味がある人に特に興味深く聞いていただける内容になるのではないかと思います。とはいえもちろん、音楽を聴くこと、音楽について語ることに関心がある人にも楽しんでいただけるはずです。

【オープン講座】「基礎教養シリーズ〜ゼロから聴きたいテクノロジーと音楽史〜」 | 美学校 (bigakko.jp)

コメントする

^{この記事にはアフィリエイトリンクが含まれます。}

何度か書いてますが、昨年から「ポプミ会アドバンス」と題して、Simon ReynoldsのRetromania: Pop Culture’s Addiction to its Own Past（Amazon商品ページ）の読書会を開いております。昨年いっぱいで一章分を読み切って、区切りが良いので仕切り直してスタートする予定です。

ポプミ会アドバンス第二期は、2月11日（日）19時～からポプミ会Discordサーバーで行う予定。もし関心のある方はこちらのリンクからサーバーに参加ください（リンクは投稿日の1月19日から一週間有効）。

この本は特に2000年代に顕著になった（という）ポップカルチャーの過去への耽溺を扱った本で、過去を絶え間なく参照しつづけ、ひたすら「リバイバル」を繰り返すポップカルチャーに未来はあるのか？　という話をしています。まあ10年以上前（原著刊行は2011年）の本なのでいまから見て牧歌的に思えるところも多々あるんですが、一方で、基本的な問題意識は古びていないばかりか、もっと切実になっているようにも思われます（実際、この本へのアクチュアルな応答として、柴崎祐二『ポップミュージックはリバイバルをくりかえす　「再文脈化」の音楽受容史』が著されています（Amazon商品ページ））。

「レトロ」そのものに興味なくとも、2000年代の（英語圏の）ポップカルチャーや、あるいはインターネット以後のクリエイティヴに興味あればおもしろく読めるかと思います。Daniel LopatinとかプロトVaporwave的なトピックも結構出てくるのがわかりやすいアピールポイントかも？

まあまあスローペースで、参加者がそれぞれ数パラグラフの担当箇所を翻訳して持ちより、ああだこうだと喋る会です。翻訳さえ仕上げてもらえば機械翻訳などを活用してもらってまったく構いません。2月11日（日）の初回は改めての顔合わせとこれまでの振り返り、今後の進め方についての話し合いをする予定です。もし関心がある方はお気軽にどうぞ。

コメントする

濱口竜介監督の映画『ドライブ・マイ・カー』でも注目を集めた俳優の三浦透子がリリースしたシングル、「私は貴方」。ピアノやサックスのアコースティックなサウンドを軸に、テクスチャ重視のビートレスな構成が生み出す浮遊感と、不思議な譜割りの反復が生み出す粘るようなグルーヴが印象的な一曲だ。アンビエントと歌モノとしてのポップが重なり合う、以前取り上げた森山直太朗「素晴らしい世界」と共振するような作品と言えよう。

心と身体にすっと染み込んでいくようなノスタルジアとスリリングな響きが同居するこの曲で作詞・作曲・編曲を担当したのは、Tondenhey名義でODD Foot Worksのギタリスト及びメインコンポーザーとしても活動する有元キイチだ。これまでサウンドプロデュースで他のアーティストとコラボレーションしたことはあったものの、表立った楽曲提供はこれが初めて。しかし、ODD Foot Worksのビートオリエンテッドなイメージとはまったく異なる「私は貴方」は、その音楽性の広がりを感じさせる力強い一曲たり得ている。

そんな「私は貴方」をめぐる本インタビューでは、そのユニークな制作プロセスや新しい感覚を持ったミュージシャンとの出会い、往年のヒット曲の再解釈など、率直で興味深いお話を聞くことができた。

「縛り」が形づくるユニークなグルーヴとサウンド

「私は貴方」はODD Foot Worksでのヒップホップ的なビートオリエンテッドなサウンドとはかなり異なっていますよね。今回の楽曲はどのように着想していったんでしょうか。

元々、ソロをやりたいなと思ってデモを作り始めていて。テーマとしては、自分が普段頼りがちな部分であるビートとギターをあえて使わないことで、逆にこれまで作ってきたビートの感じや、自分のギターが聞こえてくるんじゃないかというのがありました。そんな思考で作っていたソロのデモを、うちのマネージャーが三浦さんが所属するレーベルであるEMI Recordsの担当ディレクターに送ったことがきっかけで、依頼をいただいて作ったのがこの曲です。

「三浦さんに提供するぞ」と思って作ったというより、元々ご自身の中で挑戦してみたかったことを実践した結果なんですね。

そうですね。三浦さんに最初にお会いした時から、音楽よりもテクスチャーが聴こえるようなものを作りたいという自分の考えはお伝えしていて。でも、実際にお話ししていくうちに固まってきた部分も多いです。

最初のデモは打ち込みですか？

はい、最初はピアノ1本でした。僕はピアノがあまり弾けないので、これも自分が慣れていない手段でやる、みたいな縛りのひとつです。そうして出来た土台に、サックスやギターを重ねていきました。

ちなみにサックスもギターもプレイヤーの方に来てもらって、八畳ぐらいのワンルームの自宅で録りました。近所から苦情が来ないかどうか、心配になりながら……でもそれも制約として良かった。全部がボソボソ鳴っている感じなんですけど、スタジオに入った時にも、「なんでこれが良く思えるのか」を考えて、意識的に再構築していきました。

この曲は展開の仕方が面白いなと思っていて。場面ごとにいったん舞台が暗転して次の場面に、みたいな感じで、パートごとに止まって、また動き出すみたいな動きが何回かあります。ある意味で演劇的とも言える印象を受けました。

はじめはひとつの縛りとして、ワンメロディ……つまりメロディを1つにしようと思っていたんです。よくある、イントロ～Aサビ～Bサビみたいな構造からは外れようと。ただ、やってみると変化がなさすぎて聞き応えがなかった。そこに展開をどうつけるかを模索して、結果的にそういう作りになりました。

基本的にビートらしいビートはほぼない曲で、各パートも、ピアノを除くとリズムを強調する要素が少ない。でも、ヴォーカルの譜割りはとてもユニークなグルーヴを感じさせるものになっています。

ワンメロディという縛りに加えて、最初は歌詞をすべて「五七五七七」で行けないかという考えがありました。でも、そのリズムに乗せるとなると、どうしてもポエトリーリーディングみたいな感じになってしまう。試行錯誤して最初の「五七五七七」を変形させていく中で、拍から逸脱した音が出てきたりするのを楽しみながら作っていきました。

偶然の出会いから生まれた印象的なアレンジ

「私は貴方」で耳を惹きつけるのは、数多くフィーチャーされたアコースティックな楽器の音色です。サックス、ピアノ、ギター、シンバルといった楽器の編成は、どのようにして選んでいったのでしょうか。

自分以外の人の手を借りたかったので、ぱっと目についた人に声をかけてみることにしたんです。それで、渋谷のTOKIO TOKYOというライブハウスでODD Foot Worksとしてライブをやったときに、バーカウンターにいた人に「最近Shazamした曲とかある？」って話しかけたんですね。そうしたら、いま面白いと思ってる音楽が自分とめちゃくちゃ似ていて。聞いたらサックスを吹いていると言うので、もう録らせてもらおうと。

それが今回サックスを吹いてもらった内田恵里花さんです。元々はサックスを入れる予定もなかったんですよ。サックスプレイヤーってフレーズ重視の人が多い気がするんですけど、内田さんはテクスチャーの部分で微細な変化を楽しませるような表現をしたいと言っていて。「あ、こういう人っているんだ」「神様ありがとう」って感じでしたね。

すごい出会いですね。サックスはこの曲の中でもとりわけ印象的で、重要な役割を果たしている楽器だと思うので、今の話はかなり意外でした。

ひさびさにすごく面白い出会いでした。内田さんは自分からアイデアも出してくれて、後半のアタックの遅い音は彼女の吹いたサックスの音を逆再生したものです。

そうなんですね！　あのアタックの遅いサウンドが入ってくると、ボーカルのリズムの面白さが際立ちますよね。後半、ほぼその音とボーカルの絡みだけになるパートがあって、すごく好きなんです。

わかります。自分の中でもあれが一番予測できなかった構成でした。あのおかげでサビで拍の取り違えが起きるというか。ちゃんと構造を言語化することはできないんですけど、ちょっと変拍子チックに、大きな3拍子に感じられるんですよね。

その他のプレイヤーの方はどういった経緯で参加されたのでしょう。

ギターの馬場貴博さんは、大学のジャズ研時代の先輩です。彼の弾くギターがもともと好きだったんですけど、内田さんとサックスを録り終わったくらいのときに、「ちょっと馬場さん呼んでみよう」という話になり、また家に呼んで録らせてもらいました。

有元さん自身もギターを弾かれますけど、今回は他の方にお願いしたんですね。

自分で弾くのはODD Foot Worksがありますし、ギターすらも別の人に頼めるという楽しさがソロにはあると思っていて。最近はまた弾きたいとも思ってきているんですけど、今回は他のギタリストを呼びたかったんです。

ピアノの坂本龍司君……というのは、実は偽名なんですけど（笑）。すごく気心が知れている、一番わかりあっている人です。大学時代のジャズ研の同期で、当時からよく一緒にセッションをしていて。ODD Foot Worksの初期の作品でも、めちゃくちゃ弾いてもらっています。

あとは、小林隆大君がシンバルで参加してくれています。もともと小林君を誘うつもりはなかったんですけど、デモを聴いてもらったところ、「ここにスモークを足したい」と言ってきて。抽象的すぎて、うまく理解できない部分もあったんですけど……任せてみようと出来上がったものを聴いてみると確かに、小林君の音が全体にスモークをかけたり、晴らしたりしてくれていると思います。

そんな感じで、今回参加してくれた人たちはみんな楽器のプレイヤーなんだけど、テクニックを見せたいわけじゃなくて、楽器の音を聴かせたい人たちなんです。

そうしたプレイヤーの皆さんの様々なアイデアから成り立っている楽曲でもあるんですね。

そうですね。ただ、こちらからお願いしているところもあって、例えばイントロの直後に入っている、サックスを吸い込む音なんかがそうです。サックスという楽器は普通、楽器の中に息が吹き込まれて音が出るものですけど、逆に吸い込んだ音を使ってみたいなと。逆再生にも通じる「反転させる」みたいなテーマは、自分の中にあったのかもしれないと思いますね。

ソロ活動を通じて変化するDAWへの向き合い方

録音とミックスを担当されているのは、佐藤慎太郎さんですね。

「こういう音像を作りたい」というイメージは最初からあったので、慎太郎君にリファレンスの曲を何個も送りました。そこから僕の知識では理解できない部分もだいぶ慎太郎君が汲み取って、仕上げてくれましたね。

具体的には、実音よりも楽器に触れている音が出る音楽にしたくて。僕はライブで演奏する機会も多いんですが、外に出る音と自分の中で感じる音では全然違うという感覚があります。ギターのピッキングをする音や、ピアノのタッチノイズやペダルを踏む音、そういう接触音みたいなものをいっぱい入れたい、と慎太郎君に伝えました。録音する時にもマイキングの位置を一緒に探りました。 サックスのベルの中にタオルを突っ込んだり、ピアノの弦の上に毛布を敷いたり、できるだけプレイヤーが体感している音を大きめに録るということを意識しました。

そういったプレイヤーとして感じているサウンドに注目するアプローチは、打ち込みの比重が高いODD Foot Worksとはかなり異なりますよね。それは意識的な差別化の結果なのでしょうか。

ソロを始めた時にはあまり意識していなかったですね。最近になって、「バンドとは別に自分が表現したいことがある」と気づいてきました。

普段デモやビートを作るときの環境は？

Logic Pro Xを使っています。ただ、今はDAWを「録音データをまとめる場所」に変えたくなってきていて。昔はDAWは「打ち込みをする場所」だったんですけど、特にソロ活動では「録った音を並べる場所」に変わっていっています。いろんなアプローチのビートを作ってきて、 やり切っちゃった部分も自分の中にあって。

そうした変化にともなって、ソフトウェアの使い方で何か変わったことはありますか。

DAWから発想することに飽きちゃっていて、「こういう音にしたいから、こういうデジタルの処理が必要だな」と考えるようになっています。たとえば「私は貴方」では、「過去」とか「連想」を表現するために、奥行きや立体感を作りたくて、それで声を最初からステレオにするみたいな発想が出てきたんです。

オフコース、ブレイク・ミルズ、広瀬香美――変わっていく聴き方

三浦透子さんのYouTubeラジオにご出演された際には、Apple Musicのプレイリストを併せて公開されていましたよね。吉田美奈子やジョニ・ミッチェル、ジェイムス・テイラーなどを選曲されていましたが、こうした70年代のシンガーソングライターの楽曲がリファレンスとしては多かったのでしょうか。

あそこで紹介した楽曲は、リファレンスで共有したものとは違いますね。そういえば、言われて思い出しましたが、オフコースの「老人のつぶやき」（1975年）という曲を「なんでこんな音がいいんだろう」と思って慎太郎君に共有しましたね。「みんなのうた」からの依頼を受けて作られた曲らしいんですけど、タイトル通り老人が死ぬ話なので、不採用になったという逸話があって。番組とは完全に真逆のことをしようというアイデアも好きです。

他に「これは！」と思ってリファレンスにした楽曲はありますか。

ジョン・レジェンドをブレイク・ミルズがプロデュースした曲を送りましたね。いまは曲を聴くときもつくるときも、サウンドに奥行きをどう作っているかを一番チェックしていて、ブレイク・ミルズにはそういう意味ですごく影響されています。

あと、それとは全然違う観点なんですけど、広瀬香美の「ロマンスの神様」をよく聞いています。すごく近未来的な音像で、マイケル・ジャクソンが歌っているみたいに聞こえるんですよね。かつ「土曜日遊園地　一年経ったらハネムーン」とか、歌詞の言葉も節回しと一体となった立ち方をしていて。バブル時代の能天気さもあると思うんですけど、 今聞くと、また別の解釈ができる。時間が経ったからこそやっと全体像で聞けるという感じはありますよね。「こんな変なギター入れてるんだ」とか、「サビ前でこんなに訛るのか」とか。

最近ストリーミングのレコメンドで知った尾崎友直『Slow motion』というアルバムが面白かったんですが、全部30秒とかで曲が終わるんですよね。結構似たり寄ったりの曲やアルバムが多い中で、コンセプトから自由に作っている人は面白いと思います。

確かに。ちなみに、広瀬香美を再発見したきっかけは？

King Gnu「白日」やOfficial髭男dism「Pretender」のカバー動画です。めちゃくちゃハードにスイングして歌う節回しが面白いし、トラップとかの文化にもちょっと近いように感じて。「曲自体もそういう節回しで書いてるのかな」と聴いてみると、確かに通じるところがあるんですよね。

「私は貴方」を経た、ソロ活動の現状

現在はODD Foot Worksとしても活動されているところですが、ソロ名義でのリリースの予定はありますか。

アルバムを作りたいとは思うんですけど、ライフワークみたいな部分もあるので、〆切を決めていついつまでに……という感じでは今のところないですね。これまで聞いてこなかったような音楽を色々聴いて、インプットを増やしていきたいと思っているところです。ずっと制作してはいるので、スタジオワークの前に地図を作っている状態ですね。

「私は貴方」は初めての楽曲提供でしたが、かなり反響もあったんじゃないですか。

《VIVA LA ROCK》というフェスに出たときに、飲食ブースで結構な数のアーティストに曲のことについて言われましたね。今まで経験したことのない感じのリアクションを聞けて、すごく嬉しかったです。

特に印象深かったリアクションは？

「私は貴方」っていう言葉自体の発明を褒めてくれたのが一番嬉しかったです。「これ言った人いないよね」みたいな。言葉が聞こえるということは、すなわちサウンド面とも不可分に作れているということなんだと思えましたし。

今後もこうした提供のお仕事はやっていきたいと思われますか。

はい。たとえば、超明るい曲をこの感じで表現できたら面白いと思っていて。音像的にもすごく完成度が高く、かつ、もっとアップテンポな曲というか。なので、仕事を待っている状態です（笑）。

楽しみです。今回はさまざまなお話を伺えてとても嬉しかったです。ありがとうございました。

こちらこそ、ありがとうございました。

取材・文：imdkm

有元キイチ　プロフィール

1995年生まれ、東京都多摩市出身の音楽家。

多様なジャンルを横断するヒップホップグループ、ODD Foot Worksのギター／サウンドプロデューサーとして2017年にデビュー。

以降、グループでは独創的かつ大衆性にも富んだ音楽像を担うキーパーソンとなり、個人としては佐藤千亜妃（きのこ帝国）のサウンドプロデュースを手がけ、池田エライザの楽曲制作などにも参加。

2021年12月には有元キイチ名義で初のソロライブを開催。深淵なメロウネスをたたえた未発表の新曲群を体現しソロアーティストとしての新たな可能性を提示した。 2022年3月、三浦透子「私は貴方」の作詞、作曲、編曲及びサウンドプロデュースを手がけた。

コメントする

なんか知らんがヨドバシで豆が安い。

ヨドバシ.com – アンビカ Ambika 14001 チャナダール 1kg 通販【全品無料配達】

ヨドバシ.com – アンビカ Ambika レッドレンティル豆（マスールダル） 1kg 通販【全品無料配達】

その他にもこれでもかという品揃えでめちゃくちゃ豆があり、安い。いま見たら「お取り寄せ」になってたけど。種類によってはまだ在庫ある。自分は発見次第即注文し、翌日には届いた。

赤レンズ豆はトマトスープにして、ひよこ豆はファラフェルにして食べている。

スープは適当に野菜を放り込んで煮込んでいるだけだが、ファラフェルはいくつかネットで見れるレシピ（これとかこれとか）を参考にして、ノンフライヤーで加熱している。最初につくったときは食べれなくはないがぱっさぱさで仕方なかったが、きちんと浸水してあまり細かくペーストにしすぎないように気をつけて、つくるごとにおいしくなっている……気がする。

ホブズ（ピタ）も自分で焼いて、カット野菜なんかをあわせてサンドイッチにすると、安い割にちょっとしたものを食べた気分になって、良い。

2024年は「豆」と「酸味」が来ます。これは予言です。

コメントする

昨年、AKAI MPC500を中古で安く買った。Roland SP-404系を買うことも考えたのだけれど、MPCを使ってみたかったこともあって、電池駆動もできてちっちゃなMPC500にした。フィンガードラムをがっつりやるにはパッド数も少ない（ふつう16あるのが12しかない）しちょっとパッド自体も小さい（とはいえ大きさ自体はMPC1000と同じはず）のだけれど、チョップ・アンド・フリップで多少遊べればいいかなと。

買った当時いろいろいじってからしばらく離れていて、年明けに初売りでレコードをちょいちょい買ったのでいっちょ遊んでみるかと改めていじりはじめた。

液晶も小さいしモードの遷移が結構要るので操作性は必ずしも直感的ではないけれども、要領を覚えればそこまで難しくはない。クイックスタートガイドを一通り読めば操作に困難を覚えることもない。とはいえ、野生のTipsをいろいろ覚えたほうがよい。

↑これが多分いちばんはやい

ヴェロシティでサンプルのスタートポイントを変える機能を使って擬似オートチョップをやるTips、これはサンプルによってハマるかハマらないか大きそう。

この投稿をInstagramで見る

imdkm(@imdkm)がシェアした投稿

とりあえず某ファイセットの曲からワンループサンプリングしてチョップ、いじるなどしていた。これだけで時間がものすごく溶けるのであれですね。慣れてきたらビートテープのひとつでもつくりたい。凝ったフリップをやるまで上達すればいいが……。まあワンループ＋αでざっくりやるのも美学といえば美学。

PCに溜めてあるワンショット系のサンプルをUSB連携でMPCに送ってビートを組む、みたいなこともやってみたい（それこそアーメンを叩く的な）が、それはまた今度。こういうのやりたいですな。

昨今、ハードオフはじめとした中古ショップでの楽器の値段が結構高くなっているのに加え、メルカリやヤフオクの相場もぐっと上がってしまったので、「中古の安い楽器を遊び倒す」というのがなかなかやりづらくなってしまった。こういうのは一期一会なので安く発見したときには迷わず買ったほうがいいですね。MC-505が壊れて久しいので買い直したいんだけど、あまり量も出回っていないし、相場もちょっと高め。むつかしいね。

コメントする